O Ditador (The Dictator), de Larry Charles (2012)

Pôster nacional da comédia O Ditador, de Larry Charles. A data de estréia me parece um pouco equivocada…

Responda rápido: Qual foi a última comédia em que você rachou o bico? – Pois é. Faz tempo que não tem um filme desses em cartaz. Se bobear, a última comédia em que ri tanto foi Borat – O Segundo Melhor Repórter do Glorioso País Cazaquistão Viaja à América (2006), estrelado pelo mesmo Sacha Baron Cohen. Seu novo trabalho, O Ditador, que estreou nesse dia 24 de agosto, pode não ter o mesmo frescor de Borat, mas se mostra uma comédia bastante corajosa e necessária para uma sociedade cada vez mais careta e politicamente correta.

O ex-presidente da Líbia, Muammar Khaddafi: inspiração direta para O Ditador

O Ditador apresenta uma trama bastante simples que mais serve de pretexto para as cenas cômicas do que impressionar pela qualidade. Ao ter de viajar aos EUA para fazer um discurso a ONU sobre armas nucleares, o general-almirante Aladeen, ditador da fictícia república de Wadiya, sofre um golpe armado por seu tio Tamir (que clama seu direito ao poder). Aladeen acaba substituído por um sósia e precisará se infiltrar no hotel para mudar o discurso feito por seu tio que transformará seu país numa democracia.

Para a construção de seu personagem, Sacha Baron Cohen estudou três tiranos de peso: o líder líbio Khaddafi (foto acima) pelo style: figurino impecável, óculos escuros e guarda pessoal feminina; o cubano Fidel Castro pela lendária barba e o modo de falar com o dedo indicador apontado para cima; e o recém-falecido norte-coreano Kim Jong-il por seus recordes esportivos de credibilidade um tanto duvidosa.

Ao contrário dos filmes anteriores, Sacha Baron Cohen e o diretor Larry Charles abandonaram o formato de falso documentário e pela primeira vez, apostam numa ficção. Embora O Ditador não ofereça aquela espontaneidade e veracidade das reações das vítimas das piadas, o diretor continua buscando esse tipo de humor através de choques culturais e uso de câmera na mão, mas com uma sutil diferença: saem as pessoas “reais” (que geraram incontáveis processos judiciais contra Cohen pelas brincadeiras em Borat e Brüno) e entram atores que se passam por vítimas do humor negro de seu personagem.

O diretor de Borat, Brüno e O Ditador: Larry Charles (à esquerda) ao lado de Sacha Baron Cohen, caracterizado como o repórter do Cazaquistão

E já que o formato narrativo ficou mais convencional, o comediante resolveu forçar mais a barra. O tom das piadas é mais agressivo por saírem da boca de um ditador. Em determinado momento, o protagonista diz a uma mulher: “Mulheres que vão à escola são como macacos andando de patins: significa muito para elas, mas são tão divertidas para nós”. O público feminino da minha sessão pode ter dado risada (pra aliviar a panela de pressão), mas deve ter sentido o tapa na cara! Mas por mais ofensivo que tenham achado, elas sabem que esses ditadores retrógrados pensam exatamente dessa maneira, mas talvez não esperavam que veriam uma comédia usando esse material politicamente incorreto… até hoje. Pra quem não conhece e foi pego de surpresa, essa é a marca registrada de Sacha Baron Cohen: deixar seu público completamente constrangido.

Se era apenas golpe de marketing ou não, fica a critério do público, mas para quem assistiu ao tapete vermelho do Oscar 2012, viu Sacha Baron Cohen trajado como seu personagem Aladeen, acompanhado de sua guarda feminina e portando um vaso com as supostas cinzas do recém-falecido Kim Jong-il. Chegou a haver uma polêmica pouco antes da cerimônia, quando os produtores do Oscar proibiram o comediante de acompanhar a premiação vestido como Ditador e promovendo seu filme. Ainda bastante relutante e conservadora, a Academia liberou a entrada de Cohen, mas apenas no tapete vermelho, onde mesmo assim, ele causou rebuliço espalhando as cinzas do ditador norte-coreano.

Sacha Baron Cohen chega muito bem acompanhado ao 84º Academy Awards em Los Angeles…

… e causando com o pobre segurança do Kodak Theater.

Apesar de todo burburinho e do ótimo trailer, o público americano não abraçou o filme. Orçado em 65 milhões de dólares, a produção sequer se pagou nos EUA, arrecadando cerca de 58 milhões. Mesmo contando com um bom elenco, formado por Sir Ben Kingsley, John C. Reilly, Anna Faris (a desinibida atriz da série Todo Mundo em Pânico) e das participações de Megan Fox e Edward Norton, o filme certamente sofreu para cobrir as altas expectativas criadas por aqueles que já conheciam o formato de falso-documentário que tanto agradou em Borat (sobre o modo de vida americano) e Brüno (sobre a indústria da moda). Embora esse novo trabalho tenha se tornado mais convencional e tenha reduzido seu lucro, seu maior mérito está no aspecto sócio-político.

Megan Fox interpretando a si mesma. Pelo menos embeleza o filme.

Meio sumido do cenário cinematográfico, o gênero da sátira política faz parte da História do Cinema. Aliás, um dos grandes filmes desse gênero que certamente teve grande influência em O Ditador foi a comédia anárquica dos Irmãos Marx: O Diabo a Quatro (Duck Soup), de Leo McCarey. Lançado em 1933, o  longa tem Groucho Marx interpretando o ditador da fictícia Freedonia, Rufus T. Firefly, declarando guerra a Sylvania por motivos pífios. Vale lembrar também de outra obra-prima do controverso diretor grego Costa-Gavras, responsável por Z (1969), que retrata com bastante ironia um polêmico atentado a um importante deputado. Felizmente, a Academia consagrou o filme, que venceu o Oscar de melhor Montagem e Filme Estrangeiro pela Algéria.

Em meio a tantas crises políticas, a presença de Sacha Baron Cohen se mostra uma ótima válvula de escape. Se fosse um comediante mediano, teria simplesmente criticado a ditadura de algumas nações, mas a parceria crítica do diretor Larry Charles e Cohen vai além disso. Desde Borat, eles resolveram fazer uma análise da sociedade americana do pós-11 de setembro. Certamente, uma das características mais bem exploradas continua sendo o preconceito contra o povo que tem raízes no Oriente Médio. Existe uma tensão muito crescente entre os americanos e qualquer etnia que apresente traços arábicos: barbudos e narigudos. Vide o recente atentado à comunidade religiosa dos Sikhs, oriunda da Índia e que prega justamente a tolerância.

Membros do templo religioso dos Sikhs: chocados após atentado que culminou na morte de 7 pessoas. Desde o 11/9, são confundidos com muçulmanos nos EUA.

O discurso final seria o ápice dessa auto-crítica e faz uma alusão ao inspirado discurso de Chaplin em O Grande Ditador (1940). Nele, Aladeen defende a ditadura  e crítica a democracia. Contudo, o que seria uma crítica à tirania, vira uma clara referência aos conceitos do ex-presidente republicano dos EUA: George W. Bush. “Imagine se os EUA fossem uma ditadura? Vocês poderiam mentir facilmente sobre as reais causas de se ir para a guerra”, afirma Aladeen.

Antológico discurso de Hynkel, o ditador de Tomania em O Grande Ditador. Ótima referência para Aladeen.

Quando você procura por uma imagem de George W. Bush, percebe-se que ele não precisa se esforçar muito para parecer ridículo. Aliás, ele NÃO começou uma guerra por causa de petróleo. Que isso fique BEM claro, hein?

Além dessa análise reflexiva da política adotada pelos EUA, existe uma crítica oculta por trás da própria produção de O Ditador. Numa entrevista ao Estado de São Paulo, Sacha Baron Cohen disse que só conseguiu ser “incorreto com judeus, negros e deficientes porque a única coisa que Hollywood preza mais que respeito é dinheiro. Enquanto seus filmes renderem nas bilheterias, ele terá total liberdade com os grandes estúdios”. Isso é mais do que um mero soco no estômago.

AVALIAÇÃO: BOM

Pôster de Os Candidatos

Para quem curtiu O Ditador, outra sátira política promete agitar o clima de eleições de novembro nos EUA: Os Candidatos (The Campaign), de Jay Roach, previsto para estrear por aqui no dia 19 de outubro, conta com Will Ferrell e Zach Galifianakis (de Se Beber, Não Case). Com a crescente manifestação contra a corrupção pelo Brasil, seria interessante a produção de um filme de comédia sobre a palhaçada que é a política no país.

Vale a pena conferir o trailer:

Tony Scott (1944 – 2012)

Tony Scott

Nesse último domingo, dia 19 de agosto, o diretor britânico Tony Scott cometeu suicídio ao pular de uma ponte em Los Angeles. A suspeita se confirmou quando encontraram um bilhete de suicídio em seu escritório. Testemunhas reportaram que ele saiu de seu carro por volta do meio-dia e meia, escalou uma grade do lado sul da construção e pulou sem hesitar.

O diretor Duncan Jones, discípulo de Scott

No dia seguinte, as notícias confirmavam a existência de um diagnóstico que acusava um câncer cerebral, que teria desencadeado a tragédia. Embora exista um motivo, a ocorrência chocou a comunidade hollywoodiana por envolver duas questões delicadas: suicídio e eutanásia. Um de seus discípulos, o diretor Duncan Jones (Lunar e Contra o Tempo) comentou no Twitter: “Acabei de ficar sabendo do Tony. Horrível… Tony foi um homem verdadeiramente amável que me colocou debaixo de sua asa e acendeu minha paixão para fazer filmes. Oh, Tony… Queria que você tivesse sentido que havia um jeito de continuar. Que triste desperdício. Meus pensamentos ficam com sua mulher e seus lindos filhos”.

Tony Scott ao lado de seu irmão mais velho Ridley Scott (a esquerda).

Outras incontáveis mensagens de condolências de amigos e colegas de trabalho choveram pela internet . Tony Scott, 68 anos, deixa a esposa, a atriz Donna Scott (conheceram-se no set de filmagens de Dias de Trovão, quando ainda era Donna Wilson), dois filhos gêmeos Frank e Max, e o irmão mais velho, Ridley Scott, consagrado diretor de Alien – O Oitavo Passageiro, Blade Runner – O Caçador de Andróides e mais recentemente Prometheus. Os irmãos eram sócios na Scott Free Production, que além de colaborar na produção dos filmes de ambos, atuava nas séries televisivas Numb3rs e The Good Wife.

Todas as notícias chamam Tony Scott de “o diretor de Top Gun – Ases Indomáveis” por se tratar de um de seus maiores sucessos comerciais, que alavancou a carreira do jovem Tom Cruise na década de 80, mas na opinião deste humilde blogueiro, seu melhor filme foi Fome de Viver (1983). Na época, vampiros eram vampiros, aquela perfeita mistura de charme, crueldade e erotismo. Não essa baboseira de hoje de vampiros andróginos e capados (sem querer ofender a determinados filmes de hoje). O filme cult ofuscava a platéia com uma plasticidade de encher os olhos, contava com uma química avassaladora de David Bowie e das ninfas Susan Sarandon e Catherine Deneuve (numa antológica cena de amor lésbico). O trabalho primoroso de Stephen Goldblatt muito deve à influência visual do filme do irmão Ridley, Blade Runner, lançado no ano anterior.

Cena caliente entre David Bowie e Catherine Deneuve no cult Fome de Viver (1983)

Nos anos 80 e 90, Tony passou a ganhar notoriedade em Hollywood ao encontrar um equilíbrio fundamental entre ação, romance e comédia. O sucesso nas bilheterias de Top Gun – Ases Indomáveis (1986), Um Tira da Pesada II (1987), Dias de Trovão (1990), Revenge – A Vingança (1990), Amor à Queima Roupa (1993) e Maré Vermelha (1995). Consequentemente, muitos atores tiveram seus contratos com cifras maiores depois da parceria com Scott; dentre eles: Eddie Murphy, Nicole Kidman, Kevin Costner, Christian Slater, Patricia Arquette, Denzel Washington e Bruce Willis.

Amor bandido: Patricia Arquette e Christian Slater têm química em Amor à Queima Roupa (1993)

Contudo, nos últimos anos, Tony Scott passou a se dedicar a filmes mais policiais com tramas de reviravoltas previsíveis e com visual padrão de fotografia, especialmente Chamas da Vingança (2004), Domino – A Caçadora de Recompensa (2005) e Déjà vu (2006). O diretor ainda faria a refilmagem O Sequestro do Metrô 123 (2009) e seu último filme, Incontrolável (2010), sobre um trem carregado de material químico tóxico prestes a colidir e dizimar a população de uma cidade. Estava desenvolvendo uma sequência para Top Gun, que contaria com o retorno do astro Tom Cruise ao papel do piloto de caça Maverick.

O sucesso Top Gun – Ases Indomáveis, estrelado pelo casal Kelly McGillis e Tom Cruise, quem diria! teria uma sequência! Fala sério…

Top Gun – Ases Indomáveis foi o único filme de Tony Scott a ganhar um Oscar: o de melhor canção para Take My Breath Away, pela voz de Berlin. Quem não comprou a fita cassete naquela época? O diretor nunca foi indicado ao prêmio da Academia, mas levou o Emmy pela direção da série de TV The Gathering Storm em 2003.

Segue o clipe da música vencedora do Oscar, que deixou muitos casais enamorados e menininhas sonhando acordadas com Tom Cruise:

Top 10 dos diretores

Touro Indomável, de Martin Scorsese: praticamente uma unanimidade entre os diretores

Depois da repercussão da lista dos 50 melhores filmes de todos os tempos eleita pela publicação britânica Sight & Sound (postada aqui anteriormente: https://cinemaoscareafins.wordpress.com/2012/08/03/vertigo-quebra-hegemonia-de-cidadao-kane/), foram divulgadas algumas listas individuais por diretor, que originaram a lista final dos 50 longas.

Para quem detesta esse lance de listas de melhores e piores, bom… depois que parar de xingar o blog e o autor, gostaria que olhasse essas listas sob outra perspectiva. Por exemplo: Por quais motivos tal diretor escolheu esses 10 filmes? Que relação seus votos têm com sua filmografia? De que forma teria essa seleção influenciado em seu estilo? Se não sabe as respostas, vale a pena conferir os trabalhos eleitos de seus diretores favoritos a fim de compreendê-los melhor.

O mestre sueco Ingmar Bergman sempre serviu de inspiração para Woody Allen, tanto que seu filme Interiores (1978) é considerado seu trabalho mais bergmaniano, explorando personagens que adotam o silêncio como linguagem. Já o cineasta sul-coreano Bong Joon-Ho tem um interesse mórbido por crimes sem solução, portanto, nada mais natural que Zodíaco (2007), de David Fincher esteja em sua lista.

Apaixonado por criaturas bizarras, o mexicano Guillermo del Toro não poderia deixar de citar o clássico de Tod Browning, Os Monstros (1932), que conta com atores com deformidades de nascença. E o francês Michel Hazanavicius praticamente deve seu Oscar de melhor diretor desse ano aos filmes de Charles Chaplin, citando o belíssimo Luzes da Cidade (1931). Michael Mann pode ter se apaixonado pela violência cinematográfica ao assistir ao clássico western de Sam Peckinpah: Meu Ódio Será sua Herança (1969), cujos momentos de slow motion (câmera lenta) deve ter influenciado diretamente John Woo. E falando em western, o ex-atendente de videolocadora, Quentin Tarantino, deve muito de seu cinema ao mestre italiano Sergio Leone e seus western spaghettis. Três Homens em Conflito (1966) serviu como bíblia para Kill Bill: Volume 2 (2004) e para seu mais novo filme Django Livre (2012).

É a Arte influenciando a Arte. É uma corrente que não deve ter fim. E para isso, o Cinema não pode ficar à mercê apenas de lucro e produtores sem um pingo de coragem.

Woody Allen

Woody Allen

Nascido em dezembro de 1935 – Nova York, EUA

Trabalhos em destaque: Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977), Manhattan (1979), Crimes e Pecados (1989), Ponto Final – Match Point (2005).

  • Ladrões de Bicicleta (1948, dir. Vittorio De Sica)
  • O Sétimo Selo (1957, dir. Ingmar Bergman)
  • Cidadão Kane (1941, dir. Orson Welles)
  • Amarcord (1973, dir. Federico Fellini)
  • 8 1/2 (1963, dir. Federico Fellini)
  • Os Incompreendidos (1959, dir. François Truffaut)
  • Rashomon (1950, dir. Akira Kurosawa)
  • A Grande Ilusão (1937, dir. Jean Renoir)
  • O Discreto Charme da Burguesia (1972, dir. Luis Bunuel)
  • Glória Feita de Sangue (1957, dir. Stanley Kubrick)

Bong Joon-Ho

Bong Joon-Ho

Nascido em setembro de 1969 – Coréia do Sul

Trabalhos em destaque: Memórias de um Assassino (2003), O Hospedeiro (2006), Mother – A Busca Pela Verdade (2009).

  • A City of Sadness (1989, dir. Hou Hsiao-hsien)
  • Cure (1997, dir. Kiyoshi Kurosawa)
  • Hanyo, a Empregada (1960, dir. Kim Ki-young)
  • Fargo (1996, dir. the Coen Brothers)
  • Psicose (1960, dir. Alfred Hitchcock)
  • Touro Indomável (1980, dir. Martin Scorsese)
  • A Marca da Maldade (1958, dir. Orson Welles)
  • Vengeance Is Mine (1973, dir. Shohei Imamura)
  • O Salário do Medo (1953, dir. Henri-Georges Clouzot)
  • Zodíaco (2007, dir. David Fincher)

Francis Ford Coppola

Francis Ford Coppola

Nascido em abril de 1939 – Michigan, EUA

Trabalhos em destaque: O Poderoso Chefão (1972), A Conversação (1974), O Poderoso Chefão – Parte II (1974), Apocalypse Now (1979).

  • Cinzas e Diamantes (1958, dir. Andrzej Wajda)
  • Os Melhores Anos de Nossas Vidas (1946, dir William Wyler)
  • Os Boas-Vidas (1953, dir. Federico Fellini)
  • Homem Mau Dorme Bem (1960, dir. Akira Kurosawa)
  • Yojimbo (1961, dir. Akira Kurosawa)
  • Cantando na Chuva (1952, dir. Stanley Donen and Gene Kelly)
  • O Rei da Comédia (1983, dir Martin Scorsese)
  • Touro Indomável (1980, dir. Martin Scorsese)
  • Se Meu Apartmento Falasse (1960s, dir. Billy Wilder)
  • Aurora (1927, dir. F.W. Murnau)

Guillermo Del Toro

Guillermo del Toro

Nascido em abril de 1964 – Jalisco, México

Trabalhos em destaque: Cronos (1993), A Espinha do Diabo (2001), Blade II – O Caçador de Vampiros (2002), Hellboy (2004), O Labirinto do Fauno (2006)

  • Frankenstein (1931, dir. James Whale)
  • Monstros (1932, dir. Todd Browning)
  • A Sombra de uma Dúvida (1943, dir. Alfred Hitchcock)
  • Greed (1925, dir. Erich Von Stroheim)
  • Tempos Modernos (1936, dir. Charlie Chaplin)
  • A Bela e a Fera (1946, dir. Jean Cocteau)
  • Os Bons Companheiros (1990, dir. Martin Scorsese)
  • Os Esquecidos (1950, dir. Luis Buñuel)
  • Nosferatu (1922, dir. F.W. Murnau)
  • 8 1/2 (1963, dir. Federico Fellini)

Jean-Pierre e Luc Dardenne

Jean-Pierre e Luc Dardenne

Nascido em abril de 1951 – Prov. Liège, Bélgica

Nascido em março de 1954 – Awirs, Bélgica

Trabalhos em destaque: Rosetta (1999), A Criança (2005), O Silêncio de Lorna (2008), O Garoto de Bicicleta (2011)

  • Accatone (1961, dir. Pier Paolo Pasolini)
  • Os Corruptos (1953, dir. Fritz Lang)
  • Dodes’ka-den (1970, dir. Akira Kurosawa)
  • Alemanha Ano Zero (1948, dir. Roberto Rossellini)
  • Loulou (1980, dir. Maurice Pialat)
  • Tempos Modernos (1936, dir. Charlie Chaplin)
  • Rastros de Ódio (1956, dir. John Ford)
  • Shoah (1985, dir. Claude Lanzmann)
  • Street of Shame (1956, dir. Kenji Mizoguchi)
  • Aurora (1927, dir. F.W. Murnau)

Michel Hazavanicius

Michel Hazanavicius

Nascido em março de 1967 – Paris, França

Trabalho em destaque: O Artista (2011)

  • City Girl (1930, dir. F.W. Murnau)
  • Luzes da Cidade (1931, dir. Charlie Chaplin)
  • To Be Or Not To Be (1942, dir. Ernst Lubitsch)
  • Cidadão Kane (1941, dir. Orson Welles)
  • Se Meu Apartmento Falasse (1960, dir. Billy Wilder)
  • O Iluminado (1980, dir. Stanley Kubrick)
  • Intriga Internacional (1959, dir. Alfred Hitchcock)
  • O Terceiro Homem (1949, dir. Carol Reed)
  • Touro Indomável (1980, dir. Martin Scorsese)
  • Branca de Neve e os Sete Anões (1937, dir. Walt Disney)

Mike Leigh

Mike Leigh

Nascido em fevereiro de 1943 – Greater Manchester, Reino Unido

Trabalhos em destaque: Segredos e Mentiras (1996), Topsy-Turvy (1999), O Segredo de Vera Drake (2004), Simplesmente Feliz (2008).

  • Loucura Americana (1932, dir. Frank Capra)
  • Andrei Rublev – O Artista Maldito (1966, dir. Andrei Tarkovsky)
  • Eu Sou Cuba (1964, dir. Mikhai Kalatozov)
  • Os Emigrantes (1971, dir. Jan Troell)
  • How a Mosquito Operates (1912, dir. Winsor McCay)
  • Jules E Jim – Uma Mulher Para Dois (1962, dir. Francois Truffaut)
  • A Era do Rádio (1987, dir. Woody Allen)
  • Songs From the Second Floor (2000, dir. Roy Andersson)
  • Era uma vez em Tóquio (1953, dir. Yasujiro Ozu)

Michael Mann

Michael Mann

Nascido em fevereiro de 1943 – Chicago, EUA

Trabalhos em destaque: Caçador de Assassinos (1986), O Último dos Moicanos (1992), Fogo Contra Fogo (1995), O Informante (1999), Inimigos Públicos (2009)

  • Apocalypse Now (1979, dir. Francis Ford Coppola)
  • O Encouraçado Potemkin (1925, dir. Sergei Eisenstein)
  • Cidadão Kane (1941, dir. Orson Welles)
  • Avatar (2009, dir. James Cameron)
  • Dr. Fantástico (1964, dir. Stanley Kubrick)
  • Biutiful (2010, dir. Alejandro Gonzalez Inarritu)
  • Paixão dos Fortes (1946, dir. John Ford)
  • A Paixão de Joana D’Arc (1928, dir. Carl theodor Dreyer)
  • Touro Indomável (1980, dir. Martin Scorsese)
  • Meu Ódio Será sua Herança (1969, dir. Sam Peckinpah)

Steve McQueen

Steve McQueen

Nascido em outubro de 1969 – Londres, Reino Unido

Trabalhos em destaque: Hunger (2008), Shame (2011)

  • A Batalha de Argel (1966, dir. Gillo Pontecorvo)
  • Zero de Conduite (1933, dir. Jean Vigo)
  • A Regra do Jogo (1939, dir. Jean Renoir)
  • Era uma Vez em Tóquio (1953, dir. Yasujiro Ozu)
  • Couch (1964, dir. Andy Warhol)
  • O Desprezo (1963, dir. Jean-Luc Godard)
  • Beau Travail (1998, dir. Claire Denis)
  • Era uma Vez na América (1984, dir. Sergio Leone)
  • O Salário do Medo (1953, dir. Henri-Georges Clouzot)
  • Faça a Coisa Certa (1989, dir. Spike Lee)

David O. Russell

David O. Russell

Nascido em agosto de 1958 – Nova York, EUA

Trabalhos em destaque: Três Reis (1999), Huckabees – A Vida é uma Comédia (2004), O Vencedor (2010)

  • A Felicidade Não se Compra (1946, dir. Frank Capra)
  • Chinatown (1974, dir. Roman Polanski)
  • Os Bons Companheiros (1990, dir. Martin Scorsese)
  • Vertigo – Um Corpo que Cai (1958, dir. Alfred Hitchcock)
  • Pulp Fiction – Tempos de Violência (1994, dir. Quentin Tarantino)
  • Touro Indomável (1980, dir. Martin Scorsese)
  • O Jovem Frankenstein (1974, dir. Mel Brooks)
  • O Discreto Charme da Burguesia (1972, dir. Luis Buñuel)
  • O Poderoso Chefão (1972, dir. Francis Ford Coppola)
  • Veludo Azul (1986, dir. David Lynch)
  • Feitiço do Tempo (1993, dir. Harold Ramis)

Martin Scorsese

Martin Scorsese

Nascido em novembro de 1942 – Nova York, EUA

Trabalhos em destaque: Taxi Driver (1976), Touro Indomável (1980), O Rei da Comédia (1983), Os Bons Companheiros (1990), Gangues de Nova York (2002), Os Infiltrados (2006)

  • 8 1/2 (1963, dir. Federico Fellini)
  • 2001: Uma Odisséia no Espaço (1968, dir. Stanley Kubrick)
  • Cinzas e Diamantes (1958, dir. Andrzej Wajda)
  • Cidadão Kane (1941, dir. Orson Welles)
  • O Leopardo (1963, dir. Luchino Visconti)
  • Paisà (1946, dir. Roberto Rossellini)
  • Sapatinhos Vermelhos (1948, dir. Michael Powell and Emeric Pressburger)
  • O Rio Sagrado (1951, dir. Jean Renoir)
  • Salvatore Giuliano (1962, dir. Francesco Rosi)
  • Rastros de Ódio (1956, dir. John Ford)
  • Contos da Lua Vaga (1953, dir. Kenji Mizoguchi)
  • Vertigo – Um Corpo que Cai (1958, dir. Alfred Hitchcock)

Quentin Tarantino

Quentin Tarantino

Nascido em março de 1963 – Tennessee, EUA

Trabalhos em destaque: Cães de Aluguel (1992), Pulp Fiction – Tempo de Violência (1994), Jackie Brown (1997), Kill Bill (2003/2004), Bastardos Inglórios (2009).

  • Três Homens em Conflito (1966, dir. Sergio Leone)
  • Apocalypse Now (1979, dir. Francis Ford Coppola)
  • Garotos em Ponto de Bala (1976, dir. Michael Ritchie)
  • Carrie, a Estranha (1976, dir. Brian DePalma)
  • Jovens, Loucos e Rebeldes (1993, dir. Richard Linklater)
  • Fugindo do Inferno (1963, dir. John Sturges)
  • Jejum de Amor (1940, dir. Howard Hawks)
  • Tubarão (1975, dir. Steven Spielberg)
  • Pretty Maids All in a Row (1971, dir. Roger Vadim)
  • Rolling Thunder (1977, dir. John Flynn)
  • Sorcerer (1977, dir. William Friedkin)
  • Taxi Driver (1976, dir. Martin Scorsese)

Edgar Wright

Edgar Wright

Nascido em abril de 1974 – Dorset, Reino Unido

Trabalhos em destaque: Todo Mundo Quase Morto (2004), Chumbo Grosso (2007), Scott Pilgrim Contra o Mundo (2010)

  • 2001: Uma Odisséia no Espaço (1968, dir. Stanley Kubrick)
  • Um Lobisomem Americano em Londres (1981, dir. John Landis)
  • Carrie, a Estranha (1976, dir. Brian DePalma)
  • Dames (1934, dir. Ray Enright and Busby Berkeley)
  • Inverno de Sangue em Veneza (1973, dir. Nicolas Roeg)
  • O Diabo a Quatro (1933, dir. Leo McCarey)
  • Psicose (1960, dir. Alfred Hitchcock)
  • Arizona Nunca Mais (1987, dir. the Coen Brothers)
  • Taxi Driver (1976, dir. Martin Scorsese)
  • Meu Ódio Será sua Herança (1969, dir. Sam Peckinpah)

3º Oscar para Daniel Day-Lewis e 1º para Spielberg?

Depois de testemunharmos a veteraníssima atriz Meryl Streep levar finalmente seu 3º Oscar pela performance em A Dama de Ferro, em 2013, pode ser a vez de outro veterano: o britânico Daniel Day-Lewis. Seu mais novo trabalho, Lincoln, que tem previsão de estréia para novembro nos EUA e em fevereiro de 2013 no Brasil, é dirigido por ninguém menos que Steven Spielberg.

O camaleão Daniel Day-Lewis caracterizado como Abraham Lincoln (foto de Entertainment Weekly)

Apesar dos rumores terem começado no momento em que o ator assinou para viver o 12º presidente dos Estados Unidos, foi a foto do ator caracterizado (acima) que acabou reacendendo de vez essa previsão para o ano que vem. E falo por experiência que toda vez que vi atores bem caracterizados sendo exaltados pela mídia meses antes do lançamento do filme terminou com uma estatueta dourada. Foi assim com Jamie Foxx (Ray), Kate Winslet (O Leitor) e Meryl Streep (A Dama de Ferro). A Academia adora atores desfigurados com maquiagem e dietas de emagrecimento ou de engorda, além, claro, de cinebiografias, assim, além do próprio Daniel Day-Lewis, Anthony Hopkins também seria outra aposta.

Anthony Hopkins disposto a ganhar seu segundo Oscar também

Foi divulgada uma foto de Hopkins caracterizado como o diretor Alfred Hitchcock no filme Hitchcock, que está previsto apenas para 2013. Pela foto, vemos que além do trabalho de maquiagem, o ator passou meses comendo junk food e carboidrato. Espero que todo esse esforço valha a pena, porque pra perder esses quilinhos a mais…

Ok, voltando a Lincoln, se considerarmos que nenhum ator ou atriz já ganhou o Oscar sob o comando de Spielberg, as chances disso acontecer caem drasticamente, mas Day-Lewis pode ser considerado um caso à parte. Vamos dar uma olhada nos atores indicados ao prêmio da Academia num filme de Steven Spielberg:

1. Em 1978: Melinda Dillon (Contatos Imediatos do Terceiro Grau) – atriz coadjuvante

2. Em 1986: Whoopi Goldberg (A Cor Púrpura) – atriz

3. Em 1986: Oprah Winfrey (A Cor Púrpura) – atriz coadjuvante

4. Em 1986: Margaret Avery (A Cor Púrpura) – atriz coadjuvante

5. Em 1994: Liam Neeson (A Lista de Schindler) – ator

6. Em 1994: Ralph Fiennes (A Lista de Schindler) – ator coadjuvante

7. Em 1998: Anthony Hopkins (Amistad) – ator coadjuvante

8. Em 1999: Tom Hanks (O Resgate do Soldado Ryan) – ator

9. Em 2003: Christopher Walken (Prenda-me se for Capaz) – ator coadjuvante

Anthony Hopkins caracterizado como o 6º presidente dos EUA, John Quincy Adams

Contudo, mesmo que o Oscar de atuação seja inédito na carreira de Spielberg, vemos agora uma chance bem clara desse tabu ser derrubado. Na mega-produção Lincoln, acompanhamos o presidente liderando seu país para a vitória na Guerra Civil Americana, preservando a União e abolindo a escravidão durante os quatro últimos meses de sua vida. Além dos costumeiros colaboradores premiados de Spielberg, como o diretor de fotografia Janusz Kaminski, o montador Michel Khan e o compositor John Williams, o longa conta com um elenco laureado: Tommy Lee Jones, Sally Field, James Spader, David Strathairn, John Hawkes, Hal Holbrook, Jackie Earle Haley e Joseph Gordon-Levitt. Tudo isso tem cheiro de várias indicações ao Oscar.

Quanto à interpretação do protagonista, para quem não é familiarizado com o método de Daniel Day-Lewis, ele tem o hábito de mergulhar de cabeça no papel. Além de pesquisar intensamente o modo de vida do tempo em que vive seu personagem (no caso, o século XIX), muitos colegas que atuaram ao seu lado relataram que o ator vive isolado em seu camarim, pois supostamente estaria “possuído” 24 horas pela vida de seu personagem. Em entrevista, Spielberg desmente todo esse boato que envolve essa profundidade extrema de seu ator principal, mas reconhece que no set de filmagem, todos chamam Day-Lewis de “Mr. President”. Fraco, hein?

É claro que está cedo para previsões, mas pela foto e por todos esses motivos citados, acho que Daniel Day-Lewis e a equipe de maquiagem já podem começar a preparar seus discursos para o Oscar. E, se o filme for realmente bom, Spielberg também pode tirar o terno do armário e pentear aquele cabelo rebelde.

Marvin Hamlisch (1944 – 2012)

Marvin Hamlisch (1944 – 2012)

Neste dia 07 de agosto de 2012, os amantes do cinema perdem mais um compositor de qualidade inquestionável: o norte-americano Marvin Hamlisch. Ele partiu cedo, aos 68 anos. Apesar de não ser muito conhecido pelo grande público como um John Williams, ganhou diversos prêmios da indústria: 3 Oscars (tendo sido indicado 12 vezes), 3 Globos de Ouro, além de 4 Emmys (de TV), 1 Tony (de teatro) e 4 Grammys (da música)

Iniciou sua carreira como compositor na década de 60 e tem em sua vasta filmografia títulos importantes como Bananas (1971), Kotch – Ainda há Fogo sob as Cinzas (1971), Sonhos do Passado (1973), 007 – O Espião que me Amava (1977), Gente Como a Gente (1980), A Escolha de Sofia (1982) e O Espelho tem Duas Faces (1996), totalizando mais de 40 filmes. Porém, ficou marcado na história pelas trilhas musicais de Nosso Amor de Ontem (1973) e Golpe de Mestre (1973). Felizmente, foi reconhecido com 3 Oscars pelos mesmos: Melhor Trilha Musical Original Dramática e Melhor Canção Original (pelo romance estrelado por Barbra Streisand) e Melhor Trilha Musical Original e/ou Adaptação (pelo vencedor do Oscar de Melhor Filme estrelado pela dupla Paul Newman e Robert Redford).

O marcante casal Barbra Streisand e Robert Redford de Nosso Amor de Ontem

Suas trilhas obedeciam à regra número 1 do cinema: não chamar atenção para si mesmas. Seus arranjos musicais complementavam a ação na tela, intensificando detalhes que o diretor pedia como um gesto da personagem. E, justamente por não ficar rotulado e preso a um estilo próprio, foi convidado a trabalhar em gêneros distintos como drama e comédia, além de criar uma parceria sólida com diretores renomados como Alan J. Pakula, Woody Allen e Steven Soderbergh, com quem fez seu último trabalho para cinema em O Desinformante! (2009), protagonizado por Matt Damon.

O anúncio de sua morte pegou de surpresa o cenário musical. Ele estava trabalhando num novo show da Broadway intitulado Gotta Dance, e também estava para ser anunciado como condutor da Orquestra de Filadélfia na semana seguinte. Pelas notícias, também teria combinado de conduzir a Filarmônica de Nova York na noite de ano novo.

Marvin Hamlisch se junta a uma ilustríssima galeria de grandes compositores de cinema formada por talentos natos como Elmer Bernstein, Jerry Goldsmith, John Barry, Maurice Jarre, Nino Rota, Henry Mancini e Alfred Newman. Apesar de hoje termos bons compositores, fica uma sensação de tristeza pela perda de um grande artista, que elevou a qualidade da música no cinema. Para o grande público do Brasil, infelizmente,  a música de Hamlisch pode ficar marcada como extremamente irritante pela longuíssima espera dos péssimos call centers (!).

Segue a trilha de Golpe de Mestre, que Hamlisch fez arranjo da música de Scott Joplin, e adotada pelos call centers e PABXs:

E também incluo de última hora o vídeo em que Marvin Hamlisch ganha 2 dos seus 3 Oscars. O primeiro prêmio é entregue pela encantadora dupla de Cantando na Chuva, Debbie Reynolds e Donald O’Connor, e o segundo pela inusitada dupla Henry Mancini e a atriz Cher (introduzidos pelo diretor John Huston). Reparem no modelito de Cher: faz parte da história do Oscar.

Vertigo quebra hegemonia de Cidadão Kane

Capa do mês de Agosto de 2012 da tradicional revista britânica Sight & Sound

Para quem não conhece a publicação mensal britânica da Sight & Sound, os editores têm essa tradição de eleger os melhores filmes de todos os tempos uma vez por década desde 1952, quando o clássico neo-realista italiano Ladrões de Bicicleta (1948), de Vittorio De Sica, ocupou a 1ª posição. Contudo, desde 1962, o filme revolucionário de Orson Welles, Cidadão Kane (1941), conquistou o caneco consecutiva e indiscutivelmente até 2002.

Este ano, com a colaboração de vários diretores renomados como Martin Scorsese e Quentin Tarantino, o vencedor finalmente mudou. Vertigo (1958), que aqui no Brasil, ganhou o sub-título Um Corpo que Cai, quebrou a hegemonia de cinco vitórias consecutivas de Cidadão Kane, e isso tem gerado um certo burburinho nos fóruns de discussão. Em sua maioria, o teor dessas discussões giram em torno da comparação da alta relevância das inovações estéticas e narrativas do filme de Welles com a trama mirabolante e de altas reviravoltas de Vertigo. Muitos cinéfilos e cineastas defendem uma espécie de hors concours (lugar cativo) para Cidadão Kane pela contribuição incomensurável para a história do Cinema.

Além disso, existiria uma outra discussão acalorada dentre os fãs do diretor britânico Alfred Hitchcock. Seria Vertigo o melhor trabalho dele? Por que não eleger outros excelentes trabalhos da vasta filmografia hitchcockiana? Por que não Psicose, pela construção da tensão constante? E Janela Indiscreta, que deixa o espectador como cúmplice? Por que deixar de lado o inovador Festim Diabólico com seus planos-sequência? Quando o diretor possui um talento incontestável e um ecleticismo de gêneros, como é o caso também de Stanley Kubrick, eleger apenas um trabalho passa a ser tarefa bastante ingrata.

Vertigo: o melhor filme de todos os tempos, segundo a Sight & Sound

Inúmeras vezes, já li na internet e já ouvi em conversas de bar a questão sobre o valor dessas listas. Seria realmente necessário reunir e classificar trabalhos ou obras? Por que isto ou aquilo ocupa a primeira colocação? Quem decide a sentença final? E, talvez, o mais importante: seria possível criar listas sem pressão e influências externas? Obviamente, as pessoas que estão por trás da lista que geram seu nível de relevância no cenário artístico. Há muitos cinéfilos que preferem a lista anual do escritor Stephen King à lista da Sight & Sound, por exemplo. E com isso, chegamos ao real valor dessas listas que é justamente gerar essas discussões saudáveis (se o ego não falar mais alto, claro!) a respeito das qualidades de um filme.

Mas voltando à eleição da Sight & Sound, os fãs de Orson Welles não devem arrancar os cabelos. Cidadão Kane caiu apenas uma posição e fica em 2º lugar até 2022! Além disso, acredito que essa lista consegue agradar de forma geral todos os admiradores da Sétima Arte, seja pela diversidade de países participantes, seja pelos diretores consagrados e até mesmo pelos anos de produção. É claro que a maioria dos filmes eleitos são mais antigos, concentrando-se nas décadas de 20 a 60, mas existem dois filmes bem mais recentes como Amor à Flor da Pele (2000), de Wong Kar-Wai, e Cidade dos Sonhos (2001), de David Lynch.

David Lynch dirige Naomi Watts em Cidade dos Sonhos (2001)

Para quem tem curiosidade de saber as razões de determinados filmes marcarem presença nessa lista, existe grande possibilidade de descobrir novas jóias e eleger como novos favoritos. É claro que as locadoras agradecem pela força e por retirarem o pó das capinhas dos DVDs encostados nas prateleiras, mas acho que os interessados não devem se limitar aos discos e procurar por mostras especiais de cinema de sua cidade, pois alguns dos filmes participantes batem ponto nesses eventos que muitas vezes são gratuitos.

Confiram a lista e façam seus comentários com possíveis injustiças e ausências mais sentidas.

 Top 50 dos Melhores Filmes de Todos os Tempos:

1. Vertigo – Um Corpo que Cai (Alfred Hitchcock, 1958)
2. Cidadão Kane (Orson Welles, 1941)
3. Era uma Vez em Tóquio (Yazujiro Ozu, 1953)
4. A Regra do Jogo (Jean Renoir, 1939)
5. Aurora (F.W. Murnau, 1927)
6. 2001: Uma Odisséia no Espaço (Stanley Kubrick, 1968)
7. Rastros de Ódio (John Ford, 1956)
8. O Homem da Câmera (Dziga Vertov, 1929)
9. A Paixão de Joana D’Arc (Carl Theodor Dreyer, 1927)
10. 8 ½ (Federico Fellini, 1963)
11. O Encouraçado Potemkin (Sergei Eisenstein, 1925)
12. O Atalante (Jean Vigo, 1934)
13. Acossado (Jean-Luc Godard, 1960)
14. Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979)
15. Pai e Filha (Yasujiro Ozu, 1949)
16. A Grande Testemunha (Robert Bresson, 1966)
17. Os Sete Samurais (Akira Kurosawa, 1954)
17. Persona – Quando Duas Mulheres Pecam (Ingmar Bergman, 1966)
19. Espelho (Andrei Tarkovsky, 1974)
19. Cantando na Chuva (Stanley Donen & Gene Kelly, 1951)
21. A Aventura (Michelangelo Antonioni, 1960)
21. O Desprezo (Jean-Luc Godard, 1963)
21. O Poderoso Chefão (Francis Ford Coppola, 1972)
24. A Palavra (Carl Theodor Dreyer, 1955)
24. Amor à Flor da Pele (Wong Kar-Wai, 2000)
26. Rashomon (Akira Kurosawa, 1950)
26. Andrei Rublev – O Artista Maldito (Andrei Tarkovsky, 1966)
28. Cidade dos Sonhos (David Lynch, 2001)
29. Stalker (Andrei Tarkovsky, 1979)
29. Shoah (Claude Lanzmann, 1985)
31. O Poderoso Chefão II (Francis Ford Coppola, 1974)
31. Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976)
33. Ladrões de Bicicleta (Vittoria De Sica, 1948)
34. A General (Buster Keaton & Clyde Bruckman, 1926)
35. Metrópolis (Fritz Lang, 1927)
35. Psicose (Alfred Hitchcock, 1960)
35. Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce 1080 Bruxelles (Chantal Akerman, 1975)
35. Sátántangó (Béla Tarr, 1994)
39. Os Incompreendidos (François Truffaut, 1959)
39. A Doce Vida (Federico Fellini, 1960)
41. Viagem Pela Itália (Roberto Rossellini, 1954)
42. A Canção da Estrada (Satyajit Ray, 1955)
42. Quanto Mais Quente Melhor (Billy Wilder, 1959)
42. Gertrud (Carl Theodor Dreyer, 1964)
42. O Demônio das Onze Horas Pierrot le fou (Jean-Luc Godard, 1965)
42. Play Time – Tempo de Diversão (Jacques Tati, 1967)
42. Close-Up (Abbas Kiarostami, 1990)
48. A Batalha de Argel (Gillo Pontecorvo, 1966)
48. Histoire(s) du cinéma (Jean-Luc Godard, 1998)
50. Luzes da Cidade (Charles Chaplin, 1931)
50. Contos da Lua Vaga (Mizoguchi Kenji, 1953)
50. La Jetée (Chris Marker, 1962)

Cena antológica da escadaria de Odessa em O Encouraçado Potemkin (1925). Filme soviético esteve presente nas primeiras posições em todas as listas da Sight & Sound.

Curiosamente, dessa lista, dois filmes estão em cartaz pela mostra Traffic – 1º Festival de Cinema e Cultura Asiática de São Paulo, exibidas no Cine Olido, no centro:

Era uma Vez em Tóquio, de Yazujiro Ozu

Contos da Lua Vaga, de Mizoguchi Kenji

Veja a programação completa pelo site: http://www.trafficfestival.com.br/

E o clássico Quanto Mais Quente Melhor, de Billy Wilder, volta à sala 3 do Espaço Unibanco Augusta, em homenagem aos 50 anos da morte da diva Marylin Monroe.

Quanto à seleção da Sight & Sound, particularmente, senti falta de alguns filmes:

M, O Vampiro de Dusseldorf, de Fritz Lang (1931)

Tempos Modernos, de Charles Chaplin (1936)

Casablanca, de Michael Curtiz (1942)

O Terceiro Homem, de Carol Reed (1949)

Doze Homens e uma Sentença, de Sidney Lumet (1957)

Hiroshima, meu Amor, de Alain Resnais (1959)

O Anjo Exterminador, de Luis Buñuel (1962)

O Bebê de Rosemary, de Roman Polanski (1968)

Era uma vez no Oeste, de Sergio Leone (1968)

Teorema, de Pier Paolo Pasolini (1968)

Morte em Veneza, de Luchino Visconti (1971)

Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, de Woody Allen (1977)

Alien, o Oitavo Passageiro, de Ridley Scott (1979)

De Volta Para o Futuro, de Robert Zemeckis (1985)

O Silêncio dos Inocentes, de Jonathan Demme (1991)

Short Cuts – Cenas da Vida, de Robert Altman (1993)

Ed Wood, de Tim Burton (1994)

A Viagem de Chihiro, de Hayao Miyazaki (2001)

Fale com Ela, de Pedro Almodóvar (2002)

Zodíaco, de David Fincher (2007)

Retrato de uma obsessão em Morte em Veneza, de Luchino Visconti